Si hay un director de escena que esté explorando territorios desconocidos para la ópera, ese es Romeo Castellucci. La temporada pasada asombró en Madrid con su fascinante Moisés y Aarón en el Real, y con su brutal Go down, Moses en los Teatros del Canal. En lo que prometía ser una de las producciones estrella del año en Europa, ahora une fuerzas con Kirill Petrenko, la Bayerische Staatsoper y el mejor elenco vocal que pueda encontrarse en la actualidad para embarcarse un nuevo Tannhäuser. Una ocasión perfecta y merecida para organizar una peregrinación a Múnich, para muchos, la nueva meca wagneriana.

El Ballet de la Ópera y el Coro del Bayerischen Staatsoper © Wilfried Hosl
El Ballet de la Ópera y el Coro del Bayerischen Staatsoper
© Wilfried Hosl

No es sencillo ni recomendable hacer una interpretación estricta de los símbolos y narrativas que Castellucci utiliza en sus producciones. Como ha declarado en alguna ocasión, está más interesado en crear una constelación de significantes sugerentes, que solo obtengan su sentido final en el diálogo con el público. Aun así, este Tannhäuser es menos abierto a interpretaciones que otras de sus producciones. La tensión original entre el cielo y el infierno se transforma en un enfrentamiento entre la carne y el espíritu. Lo corporal inunda el escenario y sirve de hilo conductor para la historia: carnes deformadas, palpitantes y derramadas en el Venusberg; turgentes y ordenadamente coreografiadas para el Wartburg, y la honesta crudeza de cadáveres en descomposición en la redención hacia la eternidad.

Pero Castellucci no es solamente un autor conceptual, domina los efectos y la técnica escénica y los utiliza con una cadencia vertiginosa que se adentra a sabiendas en el exceso. No hay un momento de descanso en la sucesión de imágenes poderosas, la poesía visual nos conmociona y se altera en el mismo instante que se muestra, el continuo cambio es la norma. En analogía con la partitura, cabría hablar aquí de leitmotivs escénicos: los ya mencionados cuerpos, el círculo, las obstinación con los arcos y flechas, la fluidez de las cortinas inmaculadas, o ese inmenso iris de sangre que, tras más de una semana de la representación, se resiste a desaparecernos de la memoria.

Anja Harteros © Wilfried Hosl
Anja Harteros
© Wilfried Hosl

A Kirill Petrenko hay que agradecerle, como siempre, su impecable maestría a la batuta, pero sobre todo su generosidad en el proyecto común con Castellucci. Su interpretación estuvo en todo momento al servicio de la escena, con la orquesta magistralmente subordinada al drama conceptual, en ocasiones llegando a desparecer casi por completo y basada en unas frases arrebatadas, intensas, pero extinguidas siempre un poco antes de tiempo. La música alcanzó su mayor protagonismo tan solo en la intimidad en los momentos solistas y en la grandiosidad de la comunión con los coros. Fue en todo caso una lectura intelectual, comedida y meditada, una aproximación atípica que nos descubre una nueva partitura, alejada de los habituales mares de suntuosidad romántica, y llena de elementos para asombro.

Klaus Florian Vogt © Wilfried Hosl
Klaus Florian Vogt
© Wilfried Hosl

El elenco vocal de esta producción completa un equipo artístico sin fisuras. Klaus Florian Vogt confirma que a pesar de las cansinas discusiones sobre etiquetas -¿es un verdadero Heldentenor?- está más que preparado para el papel de Tannhäuser. El centro es carnoso y ancho, el agudo brillante y poderoso y presume de una resistencia que le hizo llegar en plena forma a la escena final. Harteros pudiera llegar a ser la esperanza wagneriana de esta generación. En directo su voz es luminosa y potente, la emisión es limpia y penetrante en toda la tesitura. Por momentos demostró además que domina las sutilezas de las medias voces, algo que echamos de menos en su oración, impecable vocalmente, pero con un punto inconveniente de vehemencia. Christian Gerhaher, hizo un Wolfram orientado al Lied -su especialidad- uniendo palabra y música magistralmente. Completan el reparto de ensueño la voluptuosidad de Elena Pankratova y un Georg Zeppenfeld erudito y autoritario. En sus intervenciones solistas todos los cantantes lucharon y se beneficiaron de unos tiempos dolorosamente retardados que, sin embargo, no hicieron rebajar ni un ápice de tensión dramática.

El Ballet de la Ópera del Bayerischen Staatsoper © Wilfried Hosl
El Ballet de la Ópera del Bayerischen Staatsoper
© Wilfried Hosl

Castellucci sustituye los instrumentos y símbolos de los personajes por arcos y flechas. Sobre la escena, el arte encerrado se convulsiona, y las saetas hieren ojos y oídos. A los que concebimos el escenario como un espacio de creación -y no solo de recreación- nos ocurre algo similar. Tras este Tannhäuser mayúsculo, no es posible abandonar la sala sin una buena dosis de conmoción y material para reflexionar largo tiempo.