Eschenbach dirige con la ONE dos consagraciones de la primavera contrapuestas

Enfrentar a Wagner y a Stravinsky es casi tan evidente como oponer a Wagner y Verdi. Stravinsky cultivó un abierto anti-Wagnerianismo, que en el fondo no es sino la forma más primitiva de post-Wagnerianismo, y sus primeras obras se interpretan normalmente como una reacción a la convención musical. El último concierto del ciclo de la Orquesta Nacional de España, dirigida en esta ocasión por Christoph Eschenbach, exploró esta oposición y juntó dos de las obras más Románticas compuestas por Wagner (Tristán e Isolda y La Walkyria) con La consagración de la primavera, de Stravinsky. No es el programa más original posible, pero la claridad de ideas con la que Eschenbach dirigió a la ONE casi convirtió el concierto en un revelador ensayo sobre la historia de la música contemporánea.

Desde los primeros compases del preludio de Tristán quedó claro cuál iba a ser la tónica de la primera parte del concierto, dedicada a Wagner. Eschenbach subrayó los rasgos más convencionales del compositor, estirando las frases y durmiendo los tempi para dejar que la melodía discurriera limpia de todo cromatismo corrosivo. Suavizó las aristas de la partitura, atemperando la inherente tensión que recorre este preludio. Las cuerdas sonaron extraordinariamente, con un sonido nítido y rico que fue capaz de estar a la altura de la imposible arquitectura wagneriana.

Esta versión domesticada de Wagner no fue suficiente para ayudar a Mathias Goerne en su poco convincente asalto al monólogo de Marke y a los adioses de Wotan. Goerne, un  cantante de lied con una voz interesante, pero modesta, de barítono lírico, fue incapaz de superar este reto técnico. La tesitura de Marke y de Wotan está tan fuera de su alcance que tuvo que hinchar artificialmente su timbre, perdiendo flexibilidad y ensuciando su color natural. Una fallida reconfiguración vocal que incluso terminó afectando a su habitual buena dicción en alemán. Estuvo por tanto tan concentrado en sonar a Marke y Wotan que olvidó delinear los personajes, presa de un fraseo anónimo e insuficientemente contrastado. Es cierto que tuvo varios momentos bellos que recodaron a sus mejores actuaciones como liederista, sobre todo en el desolador final del monólogo de Marke, casi susurrado a una sala en absoluto silencio, y en el desgarrador beso de Wotan a Brunilda. La orquesta sonó algo desordenada y saturada en la primera parte de los adioses de Wotan, pero dibujó con agilidad la última parte del fuego mágico, donde todas las capas orquestales sonaron nítidas y reconocibles.

La segunda parte del concierto explicó por qué Eschenbach había insistido en un Wagner tan aparentemente convencional y conservador. Su Consagración de la primavera fue directa y simplista, lejos del Stravinsky intelectualmente salvaje de los primeros años. Exageró el contraste rítmico y llevó hasta el límite el volumen y la densidad de cada sección de la orquesta, lo que incluso provocó algunos pequeños errores. Su Consagración fue verdaderamente primitiva y ocultó deliberadamente la sofisticación y la inmensa paleta de colores que definen a esta partitura histórica. Pero el sacrificio tenía sentido: aunque la Consagración de Stravinsky es menos radical y más ecléctica de lo que puede parecer a primera vista, sonó verdaderamente como un desafío violento y radical a la convención, representada en el concierto por un Wagner convenientemente dibujado como una autoridad canónica. Mientras que la idea de la primavera y la vida se mostraron en Wagner por el leitmotiv sublimado del amor de Brunilda, en Stravinsky apareció indefectiblemente mezclada con la violencia y el sufrimiento. Desde esta perspectiva, la Consagración de la primavera es casi una versión musical alternativa para el mismo argumento, como una variación radical sobre el mismo tema: demoler el Walhalla, raptar a Freia y sacrificar a Brunilda eran el único camino para abrir una nueva vía musical, libre y fructífera. Eschenbach lo dejó bien claro anoche.