Als das Publikum in der Londoner Royal Festival Hall Víkingur Ólafssons meisterhafte Aufführung von Bachs Goldberg-Variationen bejubelte, war ich wohl nicht die Einzige, die zu Tränen gerührt war. Der isländische Pianist, der diesem Werk seine gesamte Saison 2023/24 widmet, mit 88 Aufführungen rund um den Globus, schien uns auf eine Reise nicht nur durch das Genie von Johann Sebastian Bach, sondern durch das Leben selbst mitgenommen zu haben.
Auch Ólafsson fand den Beifall bewegend. „Wäre es nicht schön, wenn Bach das gesehen hätte?”, überlegt er bei unserem Videotelefonat aus Berlin. „Er hat dieses Stück 1741 geschrieben und es ist wie eine Flaschenpost. Wer wird es empfangen? Was waren seine Hoffnungen? Nur wenige Menschen waren damals in der Lage, auf diesem technischen Niveau zu spielen, und damals interessierte sich niemand für Kanons, Fugen und Toccaten.
„Wie hat es sich angefühlt, das größte Klavierwerk der Geschichte zu schreiben, so hoch und so weit zu gehen und doch niemanden zu haben, dem man es mitteilen kann? Aber hier sind wir, in der Berliner Philharmonie und im Southbank Centre, und es ist zum Bersten voll. Die Leute sind verrückt nach seiner Musik im Jahr 2023”. Ólafssons Auftritt in Seoul am 15. Dezember wird als Livestream auf STAGE+ vor einem riesigen Publikum in der ganzen Welt übertragen.
Ólafsson bezeichnet sein Goldberg-Jahr als „A Workaholics Sabbatical”. „Es ist eine Auszeit von all den großen Organisationen, den wunderbaren Orchestern und Dirigenten, der Vielfalt des Repertoires und den großartigen Komponisten, mit denen ich arbeiten darf”, sagt er. „All diese Dinge sind von zentraler Bedeutung für mein Leben – ich werde nächstes Jahr wiederkommen, und John Adams schreibt ein neues Klavierkonzert für mich. Aber dies ist meine Chance, mit Bach und meinem Koffer allein zu sein.
„Auf einer anderen Ebene möchte ich mich selbst herausfordern. Ich denke, der Sinn der Goldberg-Variationen ist es, zu zeigen, wie viel Abwechslung man aus der einfachen Akkordfolge der Aria ziehen kann. Ich möchte sehen, wie weit ich sie als Interpret bringen kann. Wie offen ist das Stück für immer neue Interpretationen, von Konzert zu Konzert, von Monat zu Monat?
„Dieses Stück verändert sich mit uns, wie die Jahreszeiten und die Jahre. Es wächst mit uns, durch jede neue Generation und jeden Interpreten. Es ist immer ein Spiegel der Modernität. Ich wollte in 88 Konzerten sehen, wie es auf mich als Musiker wirken würde. Es ist fast wie ein Reinigungsprozess: Es ist die reinste Form des musikalischen Ausdrucks und der Schönheit und Vielfalt. Ich hoffe, dass ich gestärkt daraus hervorgehen werde.”
Für ihn kann die 80-minütige Spanne von Aria und 30 Variationen als eine Reise durch die menschliche Existenz gelesen werden. „Man kann das Stück rein abstrakt betrachten, aber man kann es sich auch leicht als einen Lebenszyklus vorstellen, in dem die Aria eine Ode an die Geburt ist, der Beginn von etwas zutiefst Schönem. Die ersten 14 Variationen, alle in G-Dur, könnten eine glückliche, unbeschwerte Kindheit darstellen, bis zur Variation 15, in der Bach Licht in Schatten verwandelt und nach g-Moll geht. Es ist das erste Mal, dass uns eine Tragödie ereilt.”
Auf halber Strecke sorgt Bach mit der Nr. 16, einer französischen Ouvertüre, für einen Neuanfang: Sie bedeutet in jeder Hinsicht einen Neuanfang. „Man kommt zurück, wie wir es im Leben tun müssen”, sagt Ólafsson. „Man erlebt den ersten großen Verlust, aber man findet Freude, Glück, Freude und Inspiration, bevor die nächste g-Moll-Variation, Nr. 21, kommt.
„Aber ich denke, die wirkliche Meisterleistung, strukturell gesehen, ist Nr. 25.” Die „schwarze Perle” ist das dunkle Herz der Variationen. „Sie ist etwa zehn Minuten lang, viel länger als alle anderen. Aus struktureller Sicht ist die emotionale Wirkung dieses Ungleichgewichts auf das Publikum tiefgreifend. Hätte er versucht, diese Variation früher zu platzieren, wären wir einfach noch nicht bereit dafür gewesen.
„Man kann es als einen tiefgreifenden Verlust lesen: etwas auf einer grundlegenden menschlichen Ebene, wie der Verlust der Mutter. Aber selbst dann kommt man wieder auf die Beine. Der Held kehrt mit dem Elan der letzten Variationen zu seinen Wurzeln zurück, zur Volksmusik, zur Gesellschaft. Das Quodlibet, Variation 30, beschwört die Idee des Zusammenseins als Familie, des Singens und Improvisierens von Kontrapunkten, wie es die Bachs zu tun pflegten, unter Verwendung von zwei Volksliedern der damaligen Zeit. Eines davon ist ein beliebtes Lied, das wir in Island immer noch haben. Mein Sohn singt es im Kindergarten!”
„Für Bach besteht die einzige Möglichkeit, seine Suche zu beenden, darin, mehr Menschen in den Akt der Aufführung zu bringen. Und für mich ist das der Moment, in dem ich mir des Publikums wieder bewusst werde. Wenn man die Variationen spielt, ist man, unabhängig von der Situation, allein mit der Musik und dem Klavier; man spürt die Anwesenheit der Leute nicht. Aber im Quodlibet wird man plötzlich auf eine andere Art und Weise Teil des Saals. Es bringt dich zurück zu deinen Wurzeln, deiner Familie, deinem Zuhause.
„Und dann das ultimative Zuhause: die Rückkehr der Aria. Sie scheint den ganzen Zyklus neu zu starten und gibt einem ein Gefühl von Ewigkeit. Sie fühlt sich an wie die einzige Konstante in einem unbeständigen Universum. Sie hat die ganze Zeit irgendwo in der Tiefe gespielt; wir waren uns dessen nicht bewusst, weil Bach ihr eine unglaubliche Vielfalt entlockt hat. Aber sie ist da, auch wenn man aufhört zu spielen. Wie das Leben, das auch ohne uns weitergeht. Und das ist das Tragische an der Wiederkehr der Aria; deshalb fürchte ich die Stille danach, weil ich weiß, dass sie weitergehen wird, aber ich nicht. Und das ist das Leben selbst. Man möchte es festhalten, aber man kann es nicht. Das ist einer der berührendsten Momente in der gesamten Klaviermusik.”
Die Interpretation der Goldberg-Variationen auf einem modernen Klavier ist jedoch alles andere als eine einfache Aufgabe: Das Werk wurde für ein zweimanualiges Cembalo geschrieben. Es geht nicht nur darum, die virtuose Komposition auf einer Tastatur zu bewältigen, sondern auch darum, wie weit man das Instrument in einem Werk, das für einen ganz anderen Anschlag, Klang und Dynamikbereich geschaffen wurde, bringen kann. „Wir sollten Steinway & Sons einen zweimanualigen Konzertflügel bauen lassen! Wieso nicht?” sagt Ólafsson.
„Die Goldberg-Variationen sind sehr polyphon, und ich versuche, diese Stimmen in einzelne Einheiten zu trennen. Es ist fast wie ein Puppentheater: Man steuert die Figuren und ihren Dialog. Auf einem modernen Klavier mit all seiner Dynamik kann man diese Maschine unendlich weit treiben. Ich denke, die dynamische Bandbreite der Polyphonie kann die Textur nur verdeutlichen und verstärken.
„Ich liebe das Cembalo: Ich spiele es und ich liebe Ralph Kirkpatricks Aufnahmen, also werde ich das Instrument niemals kritisieren. Aber in Bachs Brandenburgischen Konzerten zum Beispiel erwartet man von jedem Streicher im Orchester, dass er mit viel dynamischer Vielfalt spielt, um die Struktur zu definieren. Das ist eine Sache, die wir hier auf dem Klavier tun sollten. In Landschaftsgemälden aus dem 18. oder 19. Jahrhundert sieht man viele verschiedene Dimensionen, mit dem Vordergrund, dem Hintergrund und allem, was dazwischen liegt. So stelle ich mir den Klang vor, und das ist es, was man mit der Polyphonie auf dem Klavier machen kann. Man hat eine unendliche Vielfalt zur Verfügung.”
Zu jedem, der darauf besteht, dass das Klavier das „falsche” Instrument ist, bemerkt Ólafsson: „Ich würde sagen, dass ich Sie mehr liebe als Sie mich! Ich liebe die Alte-Musik-Gemeinde, und ich habe so viel von ihr gelernt. Aber ich denke über historisch informierte Aufführungspraxis etwas anders. Die Frage ist, wo man die Grenze zieht. Wann hört die Geschichte auf? Historisch informiert zu sein bedeutet auch, die Aufzeichnungen von Wanda Landowska, Glenn Gould, András Schiff, Grigory Sokolov... zu kennen. Und man kann über das Cembalo lesen, aber auch über die Entwicklung des Klaviers und Bachs Interesse am Instrumentenbau. Historisch informiert zu sein, bedeutet nicht, 1741 oder 1750 aufzuhören. Es geht bis heute weiter.”
Auftrittssituationen können die Art und Weise, wie Ólafsson spielt, beeinflussen, und der kommende Livestream im Dezember ist da keine Ausnahme: „Es ist etwas Besonderes, wenn man weiß, dass die Leute zuhören. Die Tatsache, dass die Leute bei dir sind, auch wenn sie nicht da sind, bedeutet mir sehr viel. Es ist ein anderes Gefühl, wenn man in seinem Wohnzimmer spielt, als wenn man in der Royal Festival Hall auftritt; beim Streaming kommt noch eine weitere Ebene hinzu.
„Aber ein Livestream kann bescheiden sein, weil es so etwas wie einen perfekten Auftritt nicht gibt. Man kann nicht erwarten, dass man in jeder Sekunde dieser 80 Minuten sein Ideal erreicht, also muss man sich mit all seinen Schwächen akzeptieren. Das ist nicht immer einfach.”
Gleichzeitig übt das Werk einen einzigartigen Zauber aus, der seine Intimität bewahrt, ganz gleich, wo es sich befindet. „Es schafft fast seine eigene Umgebung; die Menschen werden in sie hineingezogen und fühlen sich zu ihr hingezogen. Das ist die Botschaft von Bach. Es ist unglaublich, es ist paradox, aber es passiert immer und immer wieder.
„Ich denke, dass die Odyssee dieses Stücks die Leute auf ihre eigene innere Reise mitnimmt, besonders in den Mollvariationen. Oft kommen sie danach zur CD-Signierung und erzählen mir, dass sie Tränen in den Augen hatten, weil sie Ereignisse aus ihrem eigenen Leben wiedererlebt haben. Es ist etwas sehr Persönliches. Jeder von ihnen ist in seinem eigenen Raum, und doch sind wir alle zusammen in dieser riesigen Erfahrung und hören zu. Es ist eine unglaubliche Kombination aus dem Individuellen und dem Gemeinschaftlichen. Und niemand kann das besser als Bach.”
Víkingur Ólafsson spielt die Goldberg-Variationen live aus Seoul auf STAGE+ am 15. Dezember, im Rahmen des 125-jährigen Jubiläums von Deutsche Grammophon. STAGE+ ist der Video- und Audio-Streaming-Dienst für klassische Musik.
Dieser Artikel wurde gesponsert von Deutsche Grammophon.
Ins Deutsche übertragen von Elisabeth Schwarz.