Prosigue el Festival Ring en la Opéra Bastille con la segunda parte del Anillo, La valquiria, la parte más conocida del ciclo, con frecuencia representada de forma aislada en versión de concierto. La posibilidad de escuchar con continuidad las varias partes de la tetralogía es un aliciente para, entre otras cosas, entender como un equipo artístico interpreta y comunica la obra en su conjunto y también una forma inteligente de rentabilizar una producción.
Calixto Bieito adoptó en esta segunda parte algunas decisiones que beneficiaron la obra con respecto a la jornada anterior: en relación con el carácter divergente de El oro del Rin, asistimos aquí a una adherencia a la acción que se hace densa e impregnante. Realmente alcanza a ser más hiriente justamente por la capacidad de mostrar la tensión oprimente de los personajes, sometidos casi desde un punto de vista físico. El espacio mantiene el aparato escenográfico de la jaula, pero juega más con la altura y la profundidad, dando lugar a una dirección de actores más atractiva. Los elementos de videoarte proyectados son pertinentes y enfatizan la sensación de opresión: por ejemplo, con cámaras de vigilancia puestas en la escena que nos permiten ver una misma escena simultáneamente desde otro ángulo. Más logrados resultaron los actos externos, mientras el segundo adoleció de cierta sensación de rutina. Eficaz aunque desligada del devenir de la trama, la célebre Cabalgata de las valquirias con las susodichas apareciendo por la estructura metálica en la oscuridad y vestidas de cíborg.
En general, en la visión de Bieito, queda pendiente entender hasta qué punto el elemento digital posthumano es compatible con la idea de Wagner: el director español ha afirmado que el vínculo tiene que ver con la idea de transcender los límites y con la trampa de la tecnología. Al igual que las leyes y los pactos de Wotan se vuelven en su contra, también los algoritmos nos atrapan y se revuelven contra sus creadores. Es una clave de lectura interesante, pero lo cierto es que no siempre es evidente y, al final, la producción funciona más desde el punto de vista visual y dramático que desde el conceptual. En todo caso, en esta Valquiria, Bieito pareció no querer insistir demasiado en su propia clave de lectura para dejar brillar más las tensiones entre los personajes y su propia fuerza.
Musicalmente, Heras-Casado siguió la pauta de la noche anterior, si bien con un fraseo más perfilado y contrastado, especialmente con una cuerda más robusta y una excelente capacidad de modular el sonido desde suaves pianissimi hasta las cotas más rotundas, aun sin llegar nunca a sonar abrupto o desproporcionado frente a los cantantes. Así mismo, se mostró muy hábil en tomar el pulso y el respiro de la partitura, fluyendo con naturalidad por toda ella. En cuanto a los cantantes, se mantuvieron Christopher Maltman y Ève-Maud Hubeaux como Wotan y Fricka. La mezzo suiza resultó más convincente que la noche anterior, sobre todo en lo dramático, mientras que Maltman presentó una voz algo fatigada y opaca, especialmente en el segundo acto, aunque se fue creciendo y firmó un notable final con un registro de media voz bien trabajado.
Brillaron por intensidad el Siegmund de Stanislas de Barbeyrac con una voz proyectada, un fraseo fluido pero con el justo punto de aspereza; también la Sieglinde de Elza van den Heever resultó convincente en el dúo del final del primer acto, tras un arranque más titubeante. Robusto, aunque algo rígido, estuvo Groissböck como Hunding, mientras que la Brühnilde de Tamara Wilson fue completa y constante. Wilson posee una voz potente, que alcanza con facilidad los agudos, al mismo tiempo que mantiene una buena emisión en el registro medio. El tercer acto con todas las valquirias estuvo muy logrado: pudimos escuchar un suntuoso empaste entre todas las voces femeninas, Wotan y la orquesta, así como un delineado arco de tensión narrativa.
En suma, esta Valquiria de Calixto Bieito mantiene un buen equilibrio entre la experimentación y la narración consolidada, sobre todo porque la dirección escénica, aunque introduce elementos disruptivos, no llega a subvertir el trascurso del libreto. Es una clave de lectura abierta, indefinida en ciertos significantes como suele ser habitual en las producciones de corte contemporáneo, que alcanza realmente su redondez gracias a la relación musical. En tal sentido, poco se puede reprochar a Heras-Casado que firma una dirección madura y aquilatada, de gran artesano wagneriano y acompañado por unos cantantes de inteligencia musical y buenas prestaciones vocales.
