L’Opéra national de Paris planteaba este noviembre el Fest Ring, una propuesta para escuchar El anillo del nibelungo concentrado en pocas fechas, al estilo Bayreuth, reponiendo las producciones de las dos últimas temporadas bajo la dirección musical de Pablo Heras-Casado y la puesta en escena de Calixto Bieito. Un tándem en principio atractivo: por un lado, el maestro granadino está cada vez más al alza en el repertorio wagneriano y este es ya su tercer Anillo, y por otro, el director burgalés, quien a menudo es centro de atención por sus montajes extremos y polémicos.
Comenzando justamente por éste último y en relación con la primera parte del ciclo, El oro del Rin, que en esta primera fecha nos convoca, Bieito pone en escena una propuesta declaradamente excesiva, desde el punto de vista visual, en la que el aparato tecnológico y digital se configura como un espacio distópico, que se genera con el robo del oro por parte de Alberich y que desencadena la acción. Ese prisma se hace evidente al apreciar cómo las escenas en las que aparece dicho personaje funcionan mucho mejor que otros cuadros. Bieito ahonda en lo grotesco, casi kafkiano, del personaje, pero ese enfoque hace perder la épica y el dramatismo del relato que hay en otras escenas como en la primera con Wotan y el rapto de Freia por parte de los gigantes. La gestualidad, a menudo cómica, o el vestuario, enfocado a captar la atención, contradicen la música y la acción. Además, en los dos primeros cuadros, el elemento de la jaula donde se proyectan imágenes (las cuales a veces tienen conexión con la acción, en otros casos es paisaje) quita profundidad al escenario y resulta, por tanto, en una dirección de actores más bien estática. En el tercer cuadro, esa jaula se levanta parcialmente y dejar entrever el mundo subterráneo en el que Alberich ha esclavizado a su hermano y saca el oro del Rin y que en la puesta en escena se convierten en la creación humanoides. Aquí emerge esa potencia de lo grotesco y lo indefinible y acierta Bieito en transmitir esa sensación del mundo de abajo contra el mundo de los dioses. Desde ahí se encauza correctamente toda la tensión hacia el final apoteósico, en el que Wotan y Fricka entran en el Valhalla.
Justamente el problema principal de la puesta en escena no es la exageración ni cierto feísmo que Bieito usa para incomodar al público –y a veces lo consigue– sino el desequilibrio entre ese registro y el más solemne que está sin duda presente en el libreto. Resulta exagerada la caracterización del personaje de Loge como transformista o la del propio Wotan, constantemente ridiculizado por varios personajes.
Desde el punto de vista musical, la calidad y la solidez fueron patentes desde el preludio: sin prisas ni exageraciones, la orquesta se fue creciendo paulatinamente en un excelente ejercicio de dinámicas por parte de Heras-Casado. La sonoridad no se caracteriza por una densidad muy marcada y una omnipresente contundencia; la Orquesta de la Ópera de Paris se distingue más bien por un trazo elegante, bien articulado, con un empaste equilibrado entre secciones así como una notable gradación de sonido en cada una de ellas. Heras-Casado insufló siempre una cierta aura de trascendencia y evocación –ahí incluso cuando la escena tendía a contradecir la música– y dirigió con gesto atento también para con los cantantes. En este respecto, fue destacable el Wotan de Christopher Maltman, de voz bien centrada, articulando bien el texto así y llegando con naturalidad a todos los registros; también notable el Fasolt de Kwangchul Youn más constante y sólido que su hermano gigante Fafner (Mira Kares). Ève-Maud Hubeaux interpretó una Fricka que fue de menos a más, ganando peso tanto vocal como escénico a lo largo de la obra. Posee una voz interesante en cuanto a timbre aunque no le faltó cierta regularidad en la emisión. Bien construido y central en la visión de Bieito fue el Alberich de Brian Mulligan que también respondió con creces en el respecto vocal. Resultó más bien forzado y sin demasiado interés el Loge de Simon O’Neill, con una voz ligera y agraviado por un disfraz improbable.
No hay duda de que es una producción meditada tanto en lo musical, de manera más clásica pero muy eficaz, como en lo conceptual y escénico, si bien esto último no termina de convencer: demasiados estímulos contradictorios que traicionan el flujo mismo de la obra, sobre todo en los dos primeros cuadros, empezando a funcionar la dialéctica de los dos mundos realmente desde el tercer cuadro. En su conjunto, la representación fue ovacionada por el público, supongo que más convencido por el respecto musical, aunque tampoco se constató una especial animadversión hacia la puesta en escena.
